中 国 书 画 名 家 天 地 网      www.shuhuatd.com                                                

意境是中国画之灵魂(转载)

作者:秦立新 出处:www.shuhuayanjiu.com   时间:2012-03-21 14:41

意境是 艺术 的灵魂,是客观事物精萃的集中,加上人的思想感情的陶铸,经过高度艺术加工达到情景交融,从而表现出来的艺术境界和诗的境界。
   艺术从生活中来,但它不等于生活,而艺术与生活的辩证关系,生活是艺术唯一的源泉,艺术来源于生活,应当比实际生活更高、更典型、更理想。就是说艺术又要求对生活进行高度集中和概括,要求典型化、理想化,从而创造出现实更美好、更富有诗意、更理想的艺术境界,创造出 中国 画时代新的意境,是中国画的现实主义与浪漫主义相结合,创作方法最基本的一条,也是其他创作方法所不及、难以充分达到的。
   我们常看到中国画,寥寥数笔,而境大意深。区别每个民族艺术,除了内容以外,最重要的在于表现方法。中国画表现形式比较简单而内在的东西很丰富。中国画描绘的景物,不受光线投影的限制、不求 自然 的色彩涂抹,它可以“得其精而忘其粗,取其内而忘其外,见其所见,不见其所不见,视其所视,而遗所不视”。用浪漫主义的大胆取舍,大胆强调,大胆处理。顾闳中的《韩熙载夜宴图》背景仅几片画屏和简单的道具,没有画屋宇亭角,没有灯光和投影,但给观众一种室内夜宴的感觉。又如齐白石画鱼虾,有时连水纹线也不画,人们却感觉到鱼虾在清澈水草中游荡。中国画常常是“由小见大”,“以少胜多”,画面的描绘处理,还是可有可无的东西,甚至每一点空白都是充满内容的空间。以有限的东西,表现不受这有限东西所限制的形象。一张画常常是对象特征和画家感受的适当表现,才产生的诗意,情景交融的形象是诗意的形象,所谓“意中有意,味外有味”的形象才是耐人寻味的艺术形象。
   绘画艺术要有意境,画画时作者首先要有充沛的感情,要进入境界,感情要投入进去,精神不能分散。意境即是客观事物精萃部分的集中反映,又是作者自己感情的化身,一笔一划即是客观形象的表现,又是自己感情的抒发。一个艺术品,艺术家不进入境界是不会感人的,你自己都没有感动,那怎么又能感动别人呢?有些著名的戏剧演员,站在舞台上一动不动,一句台词没有,却浑身是戏。我认为,因为他们的精神已进入了艺术境界。梅兰芳说过,程砚秋演“窦娥冤”,在后台见她面带忧怨之气,完全沉浸在艺术境界之中,而话剧演员金山演戏之前,白天一天都不出门,并在酝酿自己的情绪。所以说,艺术要通过艺术家深厚的感情,正确地反映客观世界,而有的精神不投入,一边写生,一边聊天,没有进入境界,当然戏演得不好,画更是不吸引人。
   意境的创造不是一件轻松的事情,有的画家在画水墨山水时,感觉到自己就像进入了战场,好像在枪林弹雨中。因为画在宣纸上不能随意涂改,所以在作画中一点疏忽差错都不行,每一笔都要解决形象问题、感情问题、远近虚实、笔墨浓淡等问题,更要集中全力反映客观世界的实质,创作出有情有景的艺术境界,不是那么容易的事。正如前人所说“狮子搏象”,要全力以赴。在表现意境的加工手段上叫“意匠”,而艺术上这个“匠”字是很高的誉词,如“匠心”、“宗匠”等等。对艺术来说,加工手段的高低关系着艺术造诣的高低,历代卓越的艺术家没有不在意匠上下工夫的。杜甫诗云:“意匠惨淡经营中”,又云:“平生性癖耽佳句,语不惊人死不休”。在世界艺术中,我国绘画艺术以讲究意匠著称,意匠加工在绘画中简单说来不外是选材(选出最精萃的部分)、剪裁(去芜荐菁),夸张全力强调主题,笔墨和构图等。可意境的高低,能否引人入胜和构图有很大的关系,在漓江山水甲天下作品中,如不苦心经营,构图很不容易搞好。漓江两岸都是如笋的尘峰。你坐在东岸画两岸,一边是江,一边是山,有人画二十层山,感到只有一层,只能得到水平线上一排景物,显得非常单薄。江山堆砌,没有曲折,深度和层次,看来很平常,不是好构图,因纸是平面,上下堆垒左右排列都很容易,但表现出前后纵深,那就要苦心经营了。
   水墨画意境的追求是每一位从事中国画创作画家一生所努力的,意的再现源于生活的体悟,对中国画笔墨的灵活运用,主要出自其神的表现,在表现事物的形体同时,更重要是注重的表现即“以形写神”,神是事物的主题,是作品的精神所在。作品《关东风情》系列创作中,大家孔昭平将木板画的粗线,沉重、枯涩的笔法、疏密有致的黑白灰和少量淡彩结合起来,使其作品看上去厚实、淳朴、凝重,有一种浓郁的北方农家意韵。在他的《下地之前》和《放鹅的少年》中,物象造型生动,线条活泼,色彩浓丽,结构的棚门和牛棚散发出浓郁的生活气息。作品虽多用线条绘出,但线条粗细有致、长短相宜、用笔灵动,已表达出久存于胸的一种意境。又如《清明上河图》首先考虑构图上容易形成的一字排列,但是这幅画一点都不使人感到平,景物安排巧妙,角度灵活多变化。一开始,那些路、村庄、街道都以深入进去,画船,有平列的船,也有纵置的船,把水面推远过去、有空间,这种构图自然引人入胜。古今杰出的作品证明,构图取景不能仅仅看到上下左右,主要应该看到前后,要不怕麻烦东跑西转,最重要的是要找出上下左右前后可以连接起来的角度,形成一个明确具体的空间深度,其中要有些曲折和穿插。体现出整体画面的意境气势,每一笔墨线都是在承上启下,气韵连贯,时时照顾画面的整体之感。

意境是 中国 画的灵魂,尤其是“山水画”,没有意境或意境不鲜明,绝对创作不出引人入胜的作品。为要获得时代新的意境,我认为最重要的一是深刻认识客观对象的精神实质;二是对我们的时代生活要有强烈、真挚的感情。客观现实最本质的美,经过主观的思想感情、陶铸和 艺术 加工,才能创作出情景交融、蕴含着新鲜意境的中国画作品来。中国画的灵魂就是要体现中国文化的意境,这种意境是人与物、情也景的交融,是画家的心灵与画面的和谐统一。中国画非常讲究对笔墨的运用,而中国画的意境正是通过笔墨形式来体现。通过黑白的图式构成、虚实的对比,有无交融,在虚实中透出空灵,在空灵中见气韵,这是一种天地至美的灵奇的妙境。
   中国画的意境追求,使中国画产生了诗中有画,画中有诗的艺术效果,也使中国画提倡的“天人合一”成为现实,让 自然 与画家的意识融为一体,并在中国画创作中充分展现其所形成的意境,也就是中国画的意境是艺术的灵魂。

小议中国画的“留白”造美(转载)

一、“留白”的美学意义
   中国画中的“留白”,或者说是“布白”,是要求 艺术 性与审美性恰到好处的结合才可使画作达到以虚衬实、虚实相生的尚意境界。笪重光于《画筌》中有语:“虚实相生,无画处皆成妙境。”郭熙在他的画论《林泉高致》中说:“山欲高,尽出则不高,烟霞锁其腰则高矣。水欲远,尽出则不远,掩映断其派则远矣。”如此“高”与“远”之境,当由“留白”之法予以实现。画中之白处,自当使人尽观睹妙想于幽远山水景致之间。当然,中国画中的“留白”不单单是局限于山水画中,这种审美性与艺术性于人物画和花鸟画中也是不可或缺的。
   在中国画的二维的空间中,画家们始终在自觉而别具匠心的利用“留白”技巧来打破单一的墨色在画面上所呈现出的那种严肃。使画中的山水跌宕起伏。在精心构思与幽妙的黑白设置中,使画作在恬淡中达到无色之色的话语表述,从本质上使人在虚实相生主体与客体中因循心理的审美 规律 ,求得艺术性与审美性的完美统一。八大山人有些山水画作品的画面上,会留有大面积的空白。这些空白?从美学的角度来分析,让人联想到禅宗思想对于八大山人创作观念的影响。对于禅宗而言,物质无常永恒,而白纸的空白与墨色形象的关系正如同虚空与墨色的关系,所以在八大山人看来,空白与形象同样可以画出完美的作品,而且从禅宗的角度来说空白可能比形象更加实在。这样一来,八大山人山水画就充满了空灵。有了荡漾,有了和禅境以及老庄 哲学 语义相同的意境结构。
   二、“留白” —中国画造美之必须
   中国画非常重视意境的传达和形式美的体现方式,“留白”则是构成中国画形式美及意境延续方面的重要内容,关系着作品的主题、意境、趣味等多种因素,是画面成败的关键之一。中国画始终都在讲形式美这个主题,在我看来,形式美的主题是以“留白”的表述方式再合以章法,笔墨技巧的精进来完成的。“留白”是无墨之用,这并不是过分抬高“留白”形式在中国画中的位置,而是个事实存在。中国画的留白,留得其所,便生气韵,便使画面上流动着生命,便使观者得以在那白而不空的空间徜徉。留白与着墨相对,两者互相依賴,相得益彰。沒有留白,便不能显出着墨处的美妙。如?黄宾虹的一幅《江山图》,画的正上方一高山巍然耸立,中腰下黑压压的山峦横断其面,中间留出一条白带,令高山与低峦形成了黑白、开合、虚实的强烈对比。那高山浓黑的整体中又间以几座虚淡的屋宇,以山路衬之,使高山更高;以屋宇垫之,令低峦更低。加之左下方留大片的虚白,水中着一小舟,两隐士端坐其间,使画面呈现出空灵静谧的无言美境。 转贴于 中国论文下
中国
画章法讲究立意定景,要求在画面上“远取其势,近取其质”,根据画面结构的需要,运用宾主、呼应、开合、藏露、疏密、虚实等对立统一法则来布置章法,并巧妙地处理画面的黑白,使无画处皆成妙境。八大山人山水画的画面设计性极强,每幅画的经营布阵都看似不经意而处处经意之极。八大山人将其山水画画面设计的意境空阔,余味无穷。范增先生认为:“八大山人之构图,断物造险之愿。古往今来,于《老子》书‘知其雄,守其雌' ‘知其白,守其黑'之参透,无过于八大山人者。我们可以在八大山人的《秋林亭子图》的构图中体会其章法布置:“由画面左下角层层生发,直至右上角,一鼓作气,冲出画面,右上方又拖出几组远山平坡,摇曳生姿,如 音乐 中的定音鼓一般。”此画布局黑白基本各占一半,此消彼长,虚实,藏露相互转换,浑然一气。八大山人善于在画面上制造矛盾,而又调和矛盾,使得画的节奏韵律感奇强。而这种“繁中置简,静里生奇”的能力,正是使八大山人成为最具形式特征的画家的最重要的一面。
   画的意境是空,是远,是无形之大象。中国绘画的留白是布局的规则,画家可以在“留白”的过程中使自己的“经营”与造美能力得到自由的发挥。所谓有无相生、计白当黑、欲擒故纵、意到笔不到、书之妙趣在无笔墨处,等等,悟透这些,留白才会留得自觉,留得有章法,留得有生命感,从而给人以深远的意境。
   三、“留白”造美的基本法则
   黑与白、实与虚,是对立统一的,留白是为了延伸画面的意境,而写黑也有同样的功效,正所谓“黑团团里黑团团,黑团团中天地宽”。做到记白当黑黑白互用,使白为黑,以虚破实,往往可以使画面产生提神的效果。中国传统绘画中,“白”可以是天空、是浮云、是流水、是晨雾、同一幅画面上的不同位置的“白”处,因与不同的“实景”的配合,即产生了不同话语意义。由“白”带来的美感已得到共识,但这种“白”不是画者于画面上随意漏笔而成成。留白遵循一定法则的,这样才会产生更好的造美效果。
   首先,“布白”要从全局出发,精心设计。只注重局部的虚实,必定造成画面的支离破碎,从而失去画作的整体美感。
   其次,“布白”要尊重生活,要依据生活逻辑。不可无约无信马由缰
  

 
第三 艺术 有其自身 发展 规律 ,留白造美也要依其规律来进行。它是精心设计的产物。
   中国画留白是空,是远,是无形之大象。中国绘画的留白是布局的规则,所谓有无相生、计白当黑、欲擒故纵、意到笔不到、书之妙趣在无笔墨处等等,悟透这些,留白才会留得自觉,留得有章法,留得有生命感,从而给人以深远的意境。中国的山水画,不仅能表现以大观小的情趣,还能表现小中见大的空间美,意境美。善于留白,不仅是一种技巧,更是一种修养。但凡有点成就的画家,他们都有一定的文化素养,潜习画理,潜习古典诗词,潜习一切与绘画有关的知识。所以,艺术家,要懂得处理空间表现的方法,知道真境逼而神境生的画理,重视实境、真境,在形象的基础上去追求空白,以生活表象的真实加以概括去创造抽象的空白,以收到以实带虚,以虚补实,实中有虚,虚中有实,虚实相生的艺术效果。 转贴于 中国论文下载中

书画收藏的七个经验和两个教训(转载)

收藏可以让人赏心悦目,收藏亦可以陶冶情操,丰富生活和知识,还对以使藏家的投资增值。然而,错误的收藏,不仅使人身心受损,经济上还要吃大亏。下面谈一谈我在收藏过程中的一些经验、教训,供同好参考。

  曾记得文化革命后期,书画艺术品市场刚刚恢复,以北京荣宝斋等画店的价格为例,一张王雪涛三平尺的好画才卖45元,蒋兆和八平尺的《陶渊明采菊图》卖175元,关山月八平尺的《墨牡丹》卖145元,刘继由八平尺的工笔仕女卖160元,叶浅予三平尺的《印度舞》卖60元,关松房三平尺的山水卖45元,郭传璋六平尺的山水卖60元, 董寿平四平尺山水卖60元,黄胄六平尺的《采药归来图》卖65无,李可染三平尺的牛卖45元,三平尺的山水卖90元。李苦禅八平尺的《松竹海岁寒三友图》卖240元,吴作人三平尺的画卖60元左右,一张二尺或三尺的齐白石画卖50元至150元,徐悲鸿八平尺的马卖200元至280元,王铎几尺长、一尺八寸宽的书法卖180元,傅抱石1.5平尺的一字一画卖 80元,启功三尺条书法卖 10元,范曾六尺整纸的大画才卖108元。从以上可见,那时的画多么便宜,许多大名家和一般名家的画卖价差价很小。画店收购名家画,一般就定10至15元一平方尺,象范曾等人的画才几元一平方尺,现在这些画值多少钱,行家心里都很明白。就是外行,一看画店里的字画的标价也就很明白了。这些人的画价到现在不过二十来年,就翻了几十倍到几千倍,那时如懂谁好谁差,并懂得投资经营,花钱去买大名家的好画,那现在还了得。所以收藏首先要懂得什么画是好画,要掌握判断书画好坏的标准,因为书画本身的经济价值是由书画本身包含的艺术价值决定的。下面谈一些我在这方面的经验和体会。

  经验之一:要掌握评判书画艺术水平的标准

  我看一幅画的优劣或一个画家的艺术水平主要从两个方面去看:首先看此幅画反映出该画家绘画基本功的水平。基本功的水平又从四个要素上看。

  一、看画家造型变型是否合理

  齐白石讲:“太似则媚俗,不似则数胜,妙在似与不似之间。”黄宾虹讲:“以不似之似为真似”,徐悲鸿讲:“造型、解剖、结构准确”,这些都是在讲造型的道理。

  二、看画中的章法、构图是否严谨

  有的画画的,故意把一些人物和山水画的造型画得极夸张,追求所谓抽象派、印象派,让人看了不知是什么东西。造型过分了也没有人愿意看,他们的作品自然就被淘汰了。你看梁楷的《泼墨仙人》和林风眠、黄永七的人物画都有夸张,但很有情趣。有的画家画的画,人物山水画得很碎,上、下、远、近、左、右搭配不符合自然中的情理,让人看了不舒服,草、树、山、石都是等距离并排地长,看了很匠气。你看黄宾虹、李可染、钱松喦、陆俨少的山水画,吴作人的动物画,蒋兆和的人物画,齐白石的花鸟画,章法、构图多严谨。

  三、看该画中反映出画家的用笔、用墨、设色是否恰到好处。

  你看黄宾虹画中的线很有力量感,有的线就像小铁棍。石涛运笔,干小带湿,有血、有肉、有骨。石溪、钱松喦都用颤笔,那线绵里藏针。沈周点苔,那苔点既有沉着感,又有浮动感。董其昌用墨让人觉得高雅、纯净,梁楷用墨让人觉得淋漓、酣畅。恽寿平用色,让人觉得艳而不俗。

  四、看该画反映出画家能否在传统绘画基本功的基础上有所创新。

  别人都用前人用过的皴法画,而你又率先使用了一种新的皴法,这就是创新。比如傅抱石先生的破笔皴,这种皴法使他画山有风,画水有声,画云会动。再有钱松喦多次去黄土高原写生,就创造了“黄土高原皴”,这种皴法更好地反映了黄土高原的地质、地貌。自古画家绘画最忌用紫色,钱松喦就在绘画时大胆使用紫色,让你看了还很舒服,这就是在设色上的创新。

  其次看此幅画反映出该画家绘画语言的水平。绘画语言也从四个方面看:

  一、看绘画的选题和表达是否有创新

  比如过去的画家都画屈原,而蒋兆和却画了一幅《流民图》;比如过去的画家都画鹤、马、牛、猴,而吴作人先生呢,偏偏选择了熊猫;过去的画家都画华山、泰山、黄山,钱松喦先生画黄土高原,这些都是在绘画选题上有创新。前人的绘画中多次出现毛驴,但都是作为配人景物,而毛驴在黄胄先生的画中却成了主题,并且千姿百态,生动异常,这就是在表达上有创新。像齐白石、李可染、钱松喦、吴作人、蒋兆和、黄胄、刘继卣等画家在绘画的选题和表达上都有创新。

  二、看该作品的气韵是否生动

  有的画画出的人物、山水、花卉都很呆板,象是摆在那儿的。有的画家画的山水、花卉都带着灵性,是活的,这就是气韵生动。你看傅抱石的泉水,好像在流;徐悲鸿画的马,好像会跑;叶浅予画的人物,好像还在跳舞。这些都属于气韵生动。

  三、看该画的意境是否深邃

  有的画看一遍就够了,过后就忘了,有的画越看越爱看,百看不厌,过后脑子里还有深深的印象,并且给人的想象力带来驰骋的余地,这就是因为该画意境深邃造成的。你看梁楷画的《泼墨仙人》,让人百看不厌,就是这样。

  四、看该画的格调是否高雅

  有的画画的无论是山水、人物,还是花鸟、动物,让人一看就觉粗俗不堪,但有些大师级画家画出的山水、人物、花鸟、动物,让人一看就觉得很雅。

  以上“两人方面、八条要素”就是我鉴赏书画好坏的依据。掌握了鉴赏书画好坏的依据,你就知道什么画艺术水平高,什么画艺术水平低,什么画能升值,什么画会被淘汰。于是就能决定该收藏谁的,收多少,不该收藏谁的画了。

  经验之二:要会选择鉴定家

  懂得该收什么样的书画后,马上又遇到了一个问题,就是将要收藏的作品的真假问题。请什么样的人帮助鉴定真假,也就是应该请谁帮助鉴定真假,也就是应该请谁帮助“掌眼”。中国历史上有很多收藏家,远的不说,从项子京开始,清朝的江春、安岐,还有最大的收藏家乾隆皇帝,直到张伯驹,他们都收藏了很多名贵书画,现在一鉴定,很多都是后人临摹的。因为那时藏品都分散于各收藏家手中秘藏,鉴定家无法互相比较、鉴定。现在绝大多数名贵的书画都藏于国家博物馆,鉴藏家可做充分的比较、鉴定,所以有可能前人认为真的东西,现在确定是假的。但由于真的没有了,假的也有些年代了,作资料仍很有价值。可见,鉴定的过程,是一个比较和不断学习、研究提高的过程。我认为中国的鉴定家大致分为三类。

  第一类,对清以前的书画作品看的多有鉴定经验的。

  第二类,对清以来的书画有一定的研究,但主要是对情至民国书画作品看得多,有鉴定经验

  第三类,对清以来作品有研究,对民国期间的作品也有一些研究,但对当代书画作品看得多、收藏得多,有收藏经验。你要收藏的作品属于哪个时期的,就应该找对那个时期书画看得多,研究得多,收藏得多,买卖得多的鉴定家去鉴定。鉴定家也有出错的时候。每个鉴定家都有白己一定的知识领域,从来就没有全能的鉴定家,也从来就没有不出错的鉴定家,只不过大鉴定家比小鉴定家出错少。现代的书画也可找作家本人或亲属协助鉴定,有据可依的意见可信。

关于中国书画名家天地网

联系网站 入网指南 联系画家 友情链接

备 案 号:京 ICP 备05073915-4号

版权所有:中国.书画名家天地网              主办单位:北京中都书画院

http;\\www.shuhuatd.com           电子信箱:jingzhaolin5830@sina.com